Voor zijn recente sessie met zijn Phase One-camera en Profoto-apparatuur had fashion- en reclamefotograaf Andy Hoang iets speciaals in gedachten. Hij vertelt dat hij iets wilde doen rond de steeds verdergaande technologische ontwikkelingen, en daar een cyberpunk-gevoel aan toe wilde voegen. Hij wilde “iets echts” laten zien in een tijd waarin mensen zich verbergen achter technologie.
Vertel eens iets over jezelf. Wie is Andy Hoang?
Ik ben een Brits-fashion- en reclamefotograaf en -producent. Ik ben geboren in Vietnam, maar werk vanuit Londen. Mijn stijl van fotograferen is beïnvloed door de tegendraadse Britse alternatieve cultuur van de jaren 90 en door ongewone schoonheid.
Hoe kwam je in aanraking met flitslicht en wanneer ging je het gebruiken?
Ik ben sowieso laat begonnen met fotograferen. Toen ik begin twintig was, zocht ik werk en kwam ik terecht in de evenementenfotografie – daar werd toen veel gebruik gemaakt van belichte beelden in donkere of slecht verlichte uitgaansgelegenheden. Na een tijd 's nachts in het weekeinde te hebben gewerkt, wilde ik voor mijn plezier gaan fotograferen. Ik heb toen de apparatuur met on-camera flitser van een familielid geleend voor een sessie met een vriend op locatie. Ik begreep al snel dat je niet op TTL kunt vertrouwen wanneer je gemiddeld geprijsde flitsers gebruikt in combinatie met natuurlijk licht. Ik heb toen veel geleerd over positionering, lichttypen (hard en zacht) en lichtverhoudingen. Dat was het begin van mijn passie voor fotografie en mijn eerste experiment met een flitser.
Heb je tips voor mensen die flitslicht willen gaan gebruiken? Hoe ben jij begonnen?
Toen ik echt met flitslicht ging experimenteren, was er niemand om mij de weg te wijzen. Ik moest dus zelf ontdekken waarom beelden over- of onderbelicht waren, wat vullicht en hoofdlicht is – maar het hoeft niet ingewikkeld te zijn. Je kunt het zo moeilijk maken als je zelf wilt. Ik bestudeerde altijd de afbeeldingen in tijdschriften en keek hoe ze het licht hadden gebruikt, of het hard of zacht licht was, welke lichtvormers waren gebruikt, enzovoort. Om het goed in de vingers te krijgen, moet je leren wat hard en zacht licht is. Een strakblauwe hemel met een stralende zon geeft bijvoorbeeld hard licht, terwijl dat licht zacht wordt wanneer er een wolk voor de zon komt. Hetzelfde geldt voor kunstlicht. Wanneer je dit soort dingen weet, en begrijpt hoe je dat kunt compenseren met de drie belichtingsaspecten (lensopening, ISO en sluitersnelheid), ben je al een heel eind.
Kijk met die kennis in je achterhoofd naar tijdschriften, advertenties op straat en allerlei afbeeldingen om te zien hoe de professionele creatievelingen het doen. En natuurlijk zijn de online cursussen van Profoto Academy erg handig. Toen ik begon was dat soort hulp niet beschikbaar,maar ik zou het zeker hebben gebruikt!
Wat is het grootste voordeel en het grootste nadeel van werken met een groot team in een studio? Vertel eens iets over “behind the scenes”
Het mooiste van werken in een groot team is dat je samen met creatieve talenten prachtige beelden kunt samenstellen. Je ontwikkelt relaties en bouwt een solide basis, waardoor je op de lange termijn zelf ook beter wordt. Toen ik begon met fotograferen, nam ik allerlei verantwoordelijkheden op me, maar je kunt niet altijd alles doen. Je moet je echt richten op je sterke punten. Met een fantasierijke designer, fantastische haar- en make-upartiesten of een getalenteerde stylist kan je werk echt beter worden.
Het nadeel kan zijn dat niet iedereen even hard zijn best doet, dat er creatieve meningsverschillen zijn, dat er geen chemie is of dat er sprake is van botsende ego‘s – iets wat ik gelukkig niet vaak meemaak. Aanvankelijk was ik misschien erg naïef, maar naarmate ik ouder werd, ging ik steeds meer werken met mensen die ik vertrouw en waarvan ik weet dat ze een vergelijkbare visie op het einddoel hebben.
Welke apparatuur heb je gebruikt? En hoe ging het?
De apparatuur die we voor de shoot hebben gebruikt, bestond uit een mix van meerdere modellen van de Profoto B10 en B10 Plus met een aantal OCF-vormers, RFi-softboxen en paraplu’s. Omdat we geen voedingskabels nodig hadden, was er minder risico op vallen en andere gevaren, wat het werken in een groot team een stuk gemakkelijker maakte. Het intuïtieve ontwerp en menusysteem maakt de apparatuur erg gebruiksvriendelijk, zodat je geen onnodig tijdsverlies oploopt met uitzoeken hoe de bediening werkt. De behuizing van de Phase One XF werkt naadloos met de flitser met de ingebouwde Profoto Air Remote in de handgreep.
Opstelling 1 - De ijsbreker
Dit was onze eerste opstelling van de dag. De eerste foto’s werken altijd als ijsbreker, omdat je vaak de modellen nog niet kent en moet werken aan een band, zodat zij zich op hun gemak voelen tijdens de shoot. Gelukkig waren onze modellen snel gewend aan de omgeving.
Ik zette B10- en B10 plus-flitskoppen met een OCF Softbox Octa vanaf de linkerkant en een Umbrella Deep Silver XL aan de rechterkant met een diffuser. Ze werden dicht bij het onderwerp geplaatst, waardoor de schaduw op de achtergrond harder werd. Het hoofdlicht, een OCF gel, was van het onderwerp af gericht, op een aantal gebroken spiegels, wat zorgde voor een verspreid, gefilterd licht op het gezicht en de achtergrond.
Opstelling 2 - Spontane creatieve fotografie
Ik zag dit shot terwijl de ontwerper aan het spelen was met de achtergrond. De modellen zagen dat ik door mijn camera keek en namen snel een pose aan.
Voor deze foto gebruikten we een opstelling met 4 lichtbronnen. We stelden aan de linkerkant een B10 met OCF Softbox Octa op die 45 graden naar beneden was gericht, een B10 plus met OCF gel die net uit het centrum door spiegels werd weerkaatst en rechts een B10 met RFi Softbox Strip 1x4 en B10 Plus met Umbrella Deep Silver XL en diffuser.
Opstelling 3 & 4 - Uitlichten van bijzondere details
De onderstaande opstellingen zijn vergelijkbaar met de laatste, maar ik zocht naar meer gelijkmatig licht om de aandacht te vestigen op het zilveren bladwerk bij de voet van Coco. Voor meer vullicht gebruikten we een B10 Plus met RFi Softbox Strip 1x4 in het midden. De OCF gel werd weer gebruikt als hoofdlicht, met verspreid rood licht dat net uit het midden door spiegels werd weerkaatst.
Ten slotte, welke 3 essentiële tips heb je voor beginnende fashionfotografen?
1. Wees niet bang om een fout te maken
Een van de belangrijkste tips die ik heb, en die geldt voor fotografie in het algemeen,is om te blijven oefenen en niet bang te zijn om fouten te maken. Je kunt beter een fout maken wanneer je oefent, dan wanneer er een klant bij is. Van fouten kun je leren en beter worden.
2. Ga netwerken
Ga netwerken en leer gelijkgezinde creatieve geesten kennen. Het geeft je meer vertrouwen, meer creativiteit en kan ook goed zijn voor je carrière. Ik heb zelf opdrachten gekregen dankzij ontmoetingen op evenementen, of omdat ik iemand een bericht stuurde via Instagram, het ergste dat er kan gebeuren, is dat ze nee zeggen. Daarna gaat het leven gewoon door.
3. Werk met anderen
Je bent niet alleen. Je moet met anderen samenwerken om zelf beter te worden. Ga op zoek naar een team dat zich bezig houdt met zaken als styling en make-up om zelf beter werk te kunnen leveren. Je kunt niet alles alleen doen en als je met meer mensen werkt, krijgen meer mensen je werk te zien.
