4 retratos de fotografía de moda creados con el Profoto B10 y Andy Hoang | Profoto (ES)

4 retratos de fotografía de moda creados con el Profoto B10 y Andy Hoang

19 diciembre, 2019

Escrito por: Malin Nilsson

El fotógrafo de publicidad y moda Andy Hoang tuvo una visión especial al embarcarse en su última sesión con el equipo de Profoto y su cámara Phase One. Nos cuenta que su objetivo consistía en ahondar en la era en la que cada vez se producen más avances tecnológicos, añadiéndole un toque ciberpunk y poniendo de relieve ese "algo interior" en una época en la que la gente se esconde detrás de la tecnología.

Cuéntanos más sobre ti, ¿quién es Andy Hoang? 
Soy un productor/fotógrafo de publicidad y moda  británico, nacido en Vietnam y afincado en Londres. Diría que mi estilo fotográfico se inspira en la contracultura británica subversiva de los 90 y la belleza poco convencional

¿Cómo te adentraste en el mundo del flash y cuándo decidiste comenzar a utilizarlo? 
Comencé tardé en el mundo de la fotografía en general. Tenía 20 años y necesitaba un trabajo. Me topé con la fotografía de eventos que consistía en su mayor parte en fotografías bien iluminadas tomadas en discotecas oscuras o mal iluminadas. Tras un tiempo trabajando por la noche los fines de semana, quería probar a fotografiar por diversión, por lo que le pregunté a un familiar si podía utilizar su kit de fotografía y sus speedlights para fotografiar a un amigo en un espacio con luz natural. Rápidamente me di cuenta de que no puedes fiarte del TTL en los speedlights de precio medio cuando los utilizas con luz natural. Aprendí cómo debía colocarlos, los tipos de luz (suave e intensa) y las diferentes intensidades del flash. Esto despertó mi pasión por la fotografía y fue mi primera experiencia con la iluminación.

¿Qué consejos darías a las personas que están pensando en comenzar a utilizar el flash? ¿Cómo comenzó tu trayectoria en este mundo? 
Cuando comencé a utilizar el flash en serio no había nadie que pudiera guiarme, por lo que tuve que averiguar por mí mismo por qué las imágenes se sobre o subexponían, qué era una luz principal y una luz de relleno, pero no tiene por qué ser complicado. Puedes complicarlo hasta donde tú quieras. Solía fijarme en las imágenes de las revistas y preguntarme cómo aplicaban la iluminación, si se trataba de una luz suave o intensa, qué herramientas de modelado de la luz utilizaban, etc. Para poder dominar estos conceptos, diría que debes estudiar lo que es la luz suave y la luz intensa. Por ejemplo, un cielo despejado sin nubes y con un sol brillante es una luz intensa, mientras que, si lo atraviesa una pequeña nube, se convierte en una luz suave. Y sucede lo mismo con la luz artificial. Conocer estos detalles, así como la compensación básica con el triángulo de exposición (la apertura, la ISO y lavelocidad de obturación) resulta de gran ayuda.  

Dicho esto, observa las revistas, las fotografías de los anuncios publicitarios cuando vayas de compras y cualquier imagen para ver cómo las han logrado los creativos. Loscursos online de Profoto Academy también son una herramienta muy útil, por supuesto. Cuando yo empecé no existía nada parecido,¡ojalá lo hubiera habido!

¿Qué es lo mejor, y lo peor, de trabajar con un equipo de gran tamaño en un estudio? Cuéntanos alguna anécdota entre bastidores. 
Lo mejor de trabajar con un equipo de gran tamaño es que puedes trabajar y crear imágenes increíbles con creativos de primera. Construyes relaciones y bases sólidas a través de las cuales, a largo plazo, te permiten mejorar como creativo. Cuando comencé a fotografiar solía adoptar muchos roles en el estudio, pero no siempre puedes hacerte cargo de todo, debes ceñirte a lo que realmente se te da bien. Contar con un escenógrafo con mucha imaginación, un equipo increíble de peluquería y maquillaje o un estilista de gran talento mejora con creces tu trabajo.   

Supongo que la desventaja es que a veces no todo el mundo hace lo que tiene que hacer, existen diferencias creativas y puede darse el caso deque no haya química o se produzca un choque de egos, algoque afortunadamente no suelo presenciar. Quizás al principio era muy ingenuo, pero con la edad escojo a la gente en la que confío para trabajar y con la que sé que compartiré una visión muy parecida con respecto alobjetivo final. 

¿Qué equipo utilizaste? ¿Qué tal te fue con él? 
Aquel día utilizamos como equipo una combinación de distintos B10 y B10 Plus de Profoto,junto con diversos modificadores OCF, RFi Softboxes y Umbrellas. Gracias a que no tuvimos la necesidad de utilizar cables de alimentación, se produjeron menos riesgos de tropiezos y peligros para la seguridad, lo que me facilitó muchas cosas a la hora de trabajar en una sesión con un equipo de gran tamaño. El diseño intuitivo y el sistema de menús me permitieron utilizar el equipo con una facilidad mucho mayor y reducir el tiempo innecesario que empleamos en averiguar cómo ajustarlo. El cuerpo Phase One XF trabajó a la perfección con los flashes gracias  alProfoto Air Remote integrado y su mango

Configuración 1: Rompiendo el hielo

Este fuenuestro primer set del día. La primera mirada siempre rompe el hielo, ya que la mayor parte de las veces es posible que sea la primera vez que ves al modelo, por lo que debes generar esa química y lograr que se integren en la sesión. Por suerte, nuestros modelos se adaptaron rápidamente al entorno. 

Coloqué un B10 y un B10 Plus con un OCF Softbox Octa a la izquierda y un Umbrella Deep Silver XL a la derecha con un difusor. Al colocarlos cerca del sujeto, esto proporcionó una sombra más intensa de fondo. Como luz principal utilizamos un OCF Gel apuntando hacia varios espejos rotos para lograr un efecto de luz gelificada en el rostro del modelo y de fondo. 

Configuración 2: Fotografía creativa al instante

Me imaginé esta imagen mientras mi escenógrafo jugaba con la profundidad del fondo. Los modelos se dieron cuenta de que estaba mirando hacia abajo por la cámara, por lo que se colocaron en su posición rápidamente. 

Para esta sesión utilizamos una configuración con  4 flashes. Con un B10 y un OCF Softbox Octa apuntando 45 grados hacia abajo a la izquierda, un B10 plus con un OCF Gel incidiendo en espejos descentrados, un B10 con un OCF Softbox Strip 1x4 y un B10 Plus con un Umbrella Deep Silver XL yun difusor a la derecha. 

Configuraciones 3 y 4:Resaltar características especiales

Las dos configuraciones siguientes son muy similares a la última configuración, pero quería utilizar una iluminación más uniforme para resaltar los pies plateados de Coco, por lo que coloqué un B10 Plus con un RFI Softbox Strip 1x4 en el centro mediante un tocador para aportarle ese relleno. Nuevamente, el OCF Gel fue la luz principal, que proporcionó la luz roja dispersa que reflejaban los espejos de manera descentrada.

Por último, ¿cuáles son los 3 consejos más importantes que darías a aquellos que aspiren a convertirse en fotógrafos de moda? 

1. No tengas miedo a equivocarte
Uno de los mejores consejos que puedo dar, que no solo se aplica a esta pregunta, sino a la fotografía en general, es que sigas practicando y no tengas miedo a equivocarte. Es mejor que cometas errores mientras practicas que cuando estás cara a cara con un cliente. Las equivocaciones nos ayudan a aprender y crecer. 

2. Genera contactos 
Genera contactos y relaciónate con creativos con tu misma mentalidad, así no solo mejorarás tu confianza y abrirás tu mente creativa, sino que también te permitirá conocer posibles futuros clientes. En mi caso, algunos de los trabajos que recibo los consigo a través de la gente que conozco en los eventos o puede que también al enviar un mensaje a alguien porInstagramlo peor que te pueden decir es no y no pasa nada. 

3. Trabaja con otros 
No estás solo. Para mejorar, debes trabajar con otras personas. Encuentra al equipo que se ocupe de aspectos como el estilismo y el maquillaje para mejorar la calidad de tu trabajo. No eres todopoderoso y con cuantas más personas trabajes, más posibilidades tendrás de que tu trabajo llegue a una mayor audiencia. 

Escrito por: Malin Nilsson

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